Immagine generata con l’AI

Milano, Matteo Salamon Old Masters, Palazzo Cicogna,

via San Damiano 2

Mercoledì 11 novembre ore 18.00

Seguirà cocktail esclusivo

Si prega di accreditarsi: stefania.bertelli@artemidepr.it

Parte il 12 novembre la rassegna che la storica galleria meneghina Matteo Salamon Old Masters dedica al disegno d’autore italiano nelle sale di Palazzo Cicogna, nel cuore di Milano. In esposizione figurano fogli pregiati, in un percorso che muove dal Manierismo e approda alle vedute fantastiche realizzate nel Settecento dal veneziano Francesco Guardi. In mezzo i lavori con cui Morazzone, al secolo Pier Francesco Mazzucchelli, si avvicina al pensiero di Carlo Borromeo, quindi il dramma, la teatralità e il chiaroscuro potente di Tanzio da Varallo, la classicità sofisticata e il tocco patetico di Carlo Francesco Nuvolone.

IL CHIAROSCURO VIBRANTE E LA LEGGEREZZA DI MORAZZONE

Proveniente dalla prestigiosa collezione Dubini, lo Studio per Maria Maddalena di Pier Francesco Mazzucchelli, detto il Morazzone (1573 – 1626), è uno studio per la Maddalena scortata in volo dagli angeli, la celebre pala terminata nel 1611 per l’altare dell’omonima cappella nella basilica di San Vittore a Varese. A testimoniare il modus operandi di Morazzone, che procede per progressive messe a fuoco, con una ricerca compositiva approfondita, ci sono un altro foglio praticamente identico a quello in analisi, custodito al Kupferstichkabinett di Berlino, e un terzo conservato al Willumsen Museum di Frederikssund, riconducibile a un momento più avanzato della progettazione. L’opera in mostra, concepita come studio da vagliare nel vivo del cantiere pittorico varesino, è connotata da un segno fluido e da un impatto chiaroscurale vibrante. La sua realizzazione si attesta attorno al 1610, sia per il legame con la pala sia per la trasparenza e la leggerezza atmosferica, che alla fine del decennio avrebbero lasciato il posto a un realismo più crudo. Pier Francesco Mazzucchelli detto il Morazzone, (1573 – 1626) si forma infatti in ambito lombardo e dopo un soggiorno giovanile a Roma apprezza il manierismo di Federico Zuccari e le anticipazioni barocche di Federico Barocci. Dopo i lavori giovanili, legati al Manierismo romano, Morazzone sposa il pensiero di Carlo Borromeo, sull’interpretazione emotiva delle immagini sacre, spesso connotate da un lieve patetismo.

TANZIO DA VARALLO: PATHOS E LUCE SCULTOREA

Il disegno Studio per angelo liutista di Tanzio da Varallo, al secolo Antonio d’Enrico (1580 – 1633), è appunto lo studio di una figura alata ripresa dal fianco destro, mentre suona un liuto. Colto in una complessa torsione, il corpo del musico si avvita nello spazio, con un’urgenza espressiva riservata anche al panneggio, con le vesti che si avviluppano dal bacino lungo le gambe, in pieghe ampie, corpose e fortemente chiaroscurate. Il segno energico e la modellazione luministica fotografano il movimento in un istante carico di pathos: il foglio di lavoro è uno strumento d’indagine concepito dall’artista nel vivo del cantiere pittorico della cappella intitolata all’Angelo Custode, di patronato della famiglia Nazzari, all’interno della basilica di San Gaudenzio a Novara

È di forte impatto plastico lo Studio per angelo in volo con angioletti Vibrante che illustra il lavoro condotto su un gruppo di figure angeliche. Il disegno a sanguigna definisce con nitore i contorni della figura principale, un angelo scorciato, colto da dietro, in una complessa torsione assecondata dal dispiegarsi delle ali: il foglio coincide con il pensiero preparatorio per uno degli Angeli in gloria affrescati in un riquadro della volta del presbiterio nella chiesa di Santa Maria della Pace a Milano, un cantiere decorativo databile a una fase successiva al 1630. Diversamente da altri disegni, in questo attorno alla figura centrale si librano altre figure, appena delineate da un tratto leggerissimo, quasi indefinito, a ipotizzare posture alternative, in una ricerca compositiva ancora in fieri. Tanzio da Varallo, che ha lavorato soprattutto in Piemonte e Lombardia, dopo un viaggio a Roma e un soggiorno a Napoli si avvicina all’opera di Caravaggio, al suo realismo, ai suoi bagliori. Ai quali si ispira oscillando però anche verso l’eleganza del manierismo lombardo. L’artista interpreta i temi sacri in termini drammatici, soprattutto quando lavora ai sacri monti, mentre nella maturità la sua pittura sembra filtrata dalla sensibilità veneta per il colore e la luce.

DRAMMA, SENSUALITÀ E LIRISMO NEL ‘600 DI NUVOLONE

Il foglio a sanguigna di Carlo Francesco Nuvolone (1609 – 1661) con Silvio, Dorinda e Linco illustra un episodio di struggente intensità lirica tratto dal Pastor Fido di Giovan Battista Guarini, celebre dramma pastorale del 1589. La composizione riprende il drammatico frangente in cui la ninfa Dorinda, trafitta al petto da un dardo, giacendo in languido abbandono viene soccorsa dal saggio Linco, al cospetto del giovane cacciatore Silvio, autore involontario del ferimento. L’impronta tragica e l’estrazione aristocratica delle figure sono di gusto seicentesco. Il disegno è in stretta relazione con un dipinto d’identico soggetto licenziato dallo stesso Nuvolone, connotato da una suadente dolcezza. Il fulcro drammatico, intriso di quella sensualità ferita e malinconica tipicamente nuvoloniana, è esaltato dai colori che valorizzano il candore delle figure per poi stemperarsi nell’arioso scenario pastorale. E qui si manifesta la cultura figurativa dell’autore, figlio del pittore Panfilo, che muovendo dal manierismo lombardo elabora un disegno fluido, recupera il modello cinquecentesco, con una classicità sofisticata e un tocco patetico. Ma guarda anche alla figurazione nordica di Van Dyck. Il disegno è un cartone in scala effettiva, concepito dall’artista per calibrare gli equilibri luministici e la retorica degli affetti da trasporre su tela. Al contempo, forse il foglio fungeva da modello esemplare destinato a essere riutilizzato.

Al verso, va infine segnalata la presenza di uno studio, sempre a sanguigna, relativo ai brani di due mani, di una testa e di un dorso. Arricchisce l’esposizione una chicca: in mostra figura anche la versione pittorica del soggetto, che consente un confronto puntuale, e molto interessante, con il foglio. Il dipinto conta un uso importante del chiaroscuro e una tavolozza calda, caratteristica dello stile lombardo, per delineare le figure maschili e lo scenario dell’episodio: la giovane, a seno nudo, ha un incarnato molto chiaro, messo in forte risalto dai toni scuri di tutto il resto e dalle pieghe azzurre di una parte dell’abito.

GUARDI E LE VEDUTE DI FANTASIA, CON BAGLIORI INTENSI E SEGNO RAPIDO

Il foglio disegnato da Francesco Guardi (1712 – 1793), proveniente da una collezione privata, è un inedito prezioso, uno studio per una burrasca marina, che definisce con piglio drammatico i velieri, gli scogli a strapiombo sul mare tempestoso e le figure di naufraghi in primo piano. A penna acquerellata, è appunto un pensiero preparatorio per la piccola tavoletta con una Burrasca; a fare da pendant a questo nuovo ritrovamento è un disegno a penna del Museo Correr di Venezia, in cui l’artista definisce l’impianto compositivo, mentre nel foglio in questione Guardi con l’acquerello saggia in via preliminare le luci e l’effetto pittorico del dipinto finale.

Nella grafica il segno fluido, il vibrare del chiaroscuro, l’irruenza espressiva rimandano alla cifra stilistica dell’ultimo Guardi. Che, superando il vedutismo descrittivo per il capriccio puro, approda a una visione teatrale, in cui le figure perdono consistenza anatomica e sottolineano la violenza della natura. L’artista, formatosi nella bottega di famiglia con il fratello maggiore Giovanni Antonio, si distingue subito per il rapporto atmosferico fra figure e paesaggio: i suoi disegni, che hanno ritmo e vivacità, rendono drammatici effetti di luce, in vedute di fantasia che guardano ai “capricci” di Marco Ricci. Con una libertà compositiva in cui tutto si fonde con l’argento della Laguna.

FRANCESCO CERETTI

Francesco Ceretti (PhD) è assegnista di ricerca in storia dell’arte moderna presso la sede cremonese dell’Università di Pavia, dove insegna Storia dell’incisione e della grafica. Le sue ricerche si concentrano prevalentemente sulla cultura figurativa in età moderna tra Lombardia e Veneto. Oltre alle monografie sul Genovesino (Roma, 2020), sui fratelli Nuvolone (Milano, 2023) e su Altobello Melone (Roma, 2025), ha curato varie mostre dedicate a Giacomo Ceruti (Brescia, Museo di Santa Giulia, 2023), Boccaccio Boccaccino (Cremona, Museo Diocesano, 2025-2026) e Pietro Bellotti (Venezia, Gallerie dell’Accademia, 2025-2026).

MATTEO SALAMON OLD MASTERS

Matteo Salamon ha aperto la sua galleria alla fine degli anni ’90, orientandosi verso la pittura italiana, con un’attenzione specifica alle opere toscane del XIV e XV secolo e al Vedutismo veneziano del XVIII secolo; inoltre, ha portato avanti con entusiasmo la tradizione familiare di competenza nel disegno italiano dal XV al XVIII secolo.

Negli ultimi trent’anni, la Galleria Salamon è diventata un punto di riferimento a livello internazionale per collezionisti e studiosi. Matteo collabora con i più importanti restauratori italiani in ambito pittorico e con gli storici dell’arte, incaricati di studiare le opere e di ricostruirne la provenienza con la massima precisione e accuratezza.

A tal proposito, Matteo predilige acquisire dipinti da collezioni private, avvalendosi della consolidata familiarità della sua famiglia con alcuni dei più importanti collezionisti europei. Infine, la galleria è molto attenta ai rapporti personali.

www.salamon.it

stefania.bertelli@artemidepr.it

A cura di Francesca Giordano

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