Carlos Javier Jarquin intervista l’artista Alessia Issa. Pubblicazione di Elisa Mascia – Italia

Date: ottobre 28, 2026Author: elisamascia 0 Commenti

Foto cortesia di Carlos Javier Jarquin e Alessia Issa

Alessia Issa, artista bielorussa, rende visibile l’invisibile
Di Carlos Javier Jarquín

Cari amici del Pianeta:
Vi presento l’artista multidisciplinare bielorussa Alesia Issa, nata a Minsk il 23 gennaio 1993 e attualmente residente in Cina. La sua passione per l’arte è vasta e sconfinata e, nel corso della sua vita, ha portato colore alla sua esistenza, che non è altro che un’espressione artistica degna di ammirazione.

Ha avuto il privilegio di crescere in una famiglia in cui l’arte faceva parte della vita quotidiana. Fin dalla più tenera età, sono emerse le sue inclinazioni artistiche, a cominciare dal disegno. La musica le scorre nelle vene ed è parte integrante della sua vita artistica: durante l’adolescenza, è stata il primo soprano del gruppo folk Litwins. Tra musica e pittura, ha scelto di studiare pittura all’Accademia Statale di Belle Arti della Bielorussia, dove ha conseguito la laurea triennale in Pittura e Didattica della Pittura nel 2018. Nel 2019 ha conseguito un master in Teoria dell’Arte, specializzandosi in belle arti, arti decorative e architettura. Le sue opere sono attualmente presenti in collezioni private e pubbliche in Bielorussia, Regno Unito, Singapore, Russia, Spagna, Svizzera ed Ecuador.

La sua biografia recita: “La sua arte spazia dalla pittura alla grafica, dalla ceramica alla fotografia, dal video alla performance e al tatuaggio. Ispirata da miti, folklore e immagini archetipiche, esplora la bellezza spirituale delle persone, della natura e del mondo quotidiano. Il suo lavoro unisce il sacro al profano e si addentra nelle narrazioni subconscie per creare un universo visivo ricco ed etereo. Nel 2024 e nel 2025 ha curato e partecipato a mostre internazionali che promuovono il dialogo tra artisti di diverse culture. Il suo lavoro affronta temi come l’identità, il patrimonio culturale, la memoria e il sacro legame tra l’umanità e la natura. Ha partecipato a mostre collettive e personali in Bielorussia e nel Regno Unito, tra cui Living and Dreaming, presentata a Londra nel 2018. Nello stesso anno, ha ricevuto una residenza dalla Eurasian Creative Guild di Hemel Hempstead, in Inghilterra, un’esperienza che le ha aperto nuove opportunità e connessioni nella sua carriera artistica.”

Alesia è un’artista poliedrica e trilingue, che parla bielorusso, russo e inglese. In questo incontro, scopriremo di più sul suo universo artistico. Colgo l’occasione per invitarvi a esplorare il lavoro di questa grande artista bielorussa che, in così giovane età, ha raggiunto un successo straordinario.

A che età è nato il tuo amore per le arti visive?

Il mio amore per le arti visive è iniziato quando avevo tre anni. Sono nata in una famiglia creativa e il disegno, la musica e la poesia sono stati compagni costanti durante tutta la mia infanzia. Creare immagini è diventato parte naturale del mio modo di vedere il mondo e di dare forma alla mia immaginazione. Fin da piccola, sono stata affascinata anche dalla mitologia, dal folklore, dal simbolismo religioso e dall’ignoto. Queste storie mi offrivano immagini di cose che potevo sentire ma non vedere. Credo che questo desiderio di rendere visibile l’invisibile rimanga al centro del mio lavoro.

Intorno ai quindici anni, quando ho dovuto scegliere una professione, ho scelto la pittura. In seguito, ho ricevuto una formazione accademica in pittura e ho conseguito un master in Teoria dell’Arte. Tuttavia, non credo che la sola formazione mi abbia resa tale. mi ha reso un artista. Mi ha fornito le basi e gli strumenti per qualcosa che era iniziato molto tempo prima.

Cosa ti ha ispirato a svilupparti come artista interdisciplinare, abbracciando pittura, incisione, graphic design, ceramica, fotografia, video, performance, illustrazione di libri, tatuaggi e anche musica?

Per me, lavorare in diverse discipline è venuto naturale. Non ho mai percepito pittura, musica, poesia o cinema come mondi completamente separati. Sono modi diversi di approcciare un’immagine o un’esperienza che voglio comprendere.

La pittura rimane un fondamento essenziale della mia pratica, ma non può esprimere tutto nel modo in cui ne ho bisogno. Un film permette a un’immagine di dispiegarsi nel tempo. La musica può trasmettere un’emozione attraverso la voce e il suono. Un murale trasforma la relazione tra un’immagine, l’architettura e le persone che abitano uno spazio. Dopo essermi trasferita in Cina, ho iniziato a lavorare con la ceramica e ho scoperto cosa succede quando un’immagine acquisisce peso, volume e consistenza.

Il mio lavoro si è gradualmente ampliato fino a includere illustrazione, murales, insegnamento, video e altre forme di espressione. La musica è tornata nella mia vita dopo che l’avevo accantonata per concentrarmi sulla pittura. Ognuna di queste esperienze ha aperto una possibilità che nessun altro mezzo espressivo avrebbe potuto offrire allo stesso modo.
Ci sono elementi fondamentali condivisi, come ritmo, composizione, tensione e pausa, ma ogni mezzo ci permette di viverli in modo diverso. Spesso ho la sensazione che sia l’immagine stessa a scegliere cosa vuole diventare. Il mio compito è riconoscere se deve essere un dipinto, una canzone, un film o un oggetto, e poi trovare il linguaggio che le permetta di esistere.

Quali sono i temi principali più presenti nelle tue opere?

Torno continuamente all’inconscio, alla mitologia e a quei momenti in cui una persona subisce una trasformazione interiore. Amore, morte, paura e scelta appaiono nelle mie opere attraverso figure e storie che hanno accompagnato l’umanità per secoli.
Uso la parola archetipo in modo piuttosto libero. Non si limita a una definizione strettamente junghiana. Per me, un archetipo è un’immagine che collega un’esperienza individuale a qualcosa di collettivo, qualcosa che può risultare stranamente familiare anche quando lo incontriamo per la prima volta. Il folklore bielorusso mi sta particolarmente a cuore, ma esploro anche la filosofia e l’immaginario dell’India, la mitologia cinese e giapponese e il simbolismo religioso di diverse tradizioni.

Una figura a cui ritorno spesso è la Lupa, la donna che raccoglie le ossa e le riporta in vita. In lei vedo la possibilità di recuperare qualcosa di essenziale dentro di noi. Anche Adamo, Eva, Lilith e le Tre Parche riappaiono nelle mie opere perché le loro storie continuano a sollevare interrogativi sulle nostre vite.

Sono particolarmente attratta dall’istante che precede un cambiamento. Nel mio dipinto Eclissi, Adamo fissa la mela mentre un sole nero è già sorto sopra di lui.

Mi interessa quell’esitazione: ha ancora una scelta, o qualcosa si è già trasformato dentro di lui? Attraverso immagini come questa, cerco di avvicinarmi a esperienze difficili da spiegare direttamente. Un’opera può preservare un ricordo emotivo e permettere a un’altra persona di trovarlo a modo suo.

Cosa significa per te che molti dei tuoi dipinti facciano parte di collezioni pubbliche e private in diversi paesi, tra cui Bielorussia, Regno Unito, Singapore, Russia, Spagna, Svizzera ed Ecuador?

Significa molto per me che un’opera possa lasciare il mio studio ed entrare a far parte della vita di qualcun altro, a volte in un luogo che non ho mai visitato. Dipingere è un processo molto intimo. Dedico del tempo a un’immagine, alle domande e alle emozioni che l’hanno generata, e poi essa inizia a esistere al di là di me.

Quando qualcuno decide di convivere con un’opera o di includerla in una collezione, sono grata per quella fiducia. Potrebbero vedere qualcosa di molto diverso da ciò che ho visto io quando l’ho creata, e questo lo trovo prezioso. Non ho bisogno che lo spettatore ripeta la mia interpretazione. Mi interessa ciò che accade tra l’immagine e l’esperienza personale dell’osservatore.

Il fatto che le mie opere trovino collocazione in diversi paesi si ricollega anche all’idea alla base della mia conferenza, “Archetipi in transito”. Le immagini viaggiano tra culture e persone, acquisendo nuovi significati lungo il percorso. Il mio lavoro porta con sé qualcosa delle mie origini, ma può anche parlare a qualcuno la cui vita è molto diversa dalla mia. Questa possibilità ha per me un profondo significato.

Come si è evoluto il tuo lavoro artistico negli ultimi cinque anni?

Negli ultimi cinque anni, sono diventata più aperta a perseguire un’idea al di là del mezzo in cui è apparsa per la prima volta. La pittura rimane centrale nella mia pratica, ma intendo sempre più il mio lavoro come un dialogo tra diversi linguaggi artistici.

La mia formazione accademica mi ha fornito una solida base di conoscenza della composizione e della forma. Col tempo, sono diventata più sensibile all’esperienza interiore che si cela dietro un’immagine: perché ritorna, cosa la rende inquietante e cosa mi chiede. Le figure mitologiche sono diventate un modo per esplorare queste domande a partire dalla mia esperienza personale. Lavorare con il cinema mi ha aiutata a pensare all’arte come a qualcosa che può accadere allo spettatore. Nel mio cortometraggio Shukra, realizzato per un festival interdisciplinare, ho esplorato la trasformazione attraverso la relazione di una donna con una divinità. Il festival era concepito come un labirinto, ed ero interessata a come attraversarlo attraverso l’arte potesse alterare lo stato di coscienza di una persona.
Il mio trasferimento in Cina ha integrato la ceramica nella mia pratica. Ho continuato a esplorare esseri mitologici, comprese figure del folklore bielorusso, ma ora attraverso oggetti fisici. Più recentemente, il mio progetto musicale solista e il video Crying hanno plasmato un’esperienza d’amore profondamente personale. Questi sviluppi mi hanno aiutato a capire che la mia pratica può rimanere coerente anche quando i materiali cambiano. Ciò che unisce le opere è la domanda che dà origine a ciascuna immagine.

Parlaci della tua passione per la musica. Cosa ha significato per te essere stata la prima soprano del Litwins Folk Ensemble?

La musica mi accompagna fin dall’infanzia. Mio zio ha fondato e dirige il Litwins Folk Ensemble, un gruppo che si dedica alla riscoperta della musica tradizionale sin dalla fine degli anni ’80. Sono cresciuta circondata da prove, concerti, workshop e tournée. A casa ascoltavamo anche dischi in vinile, tra cui quelli dei Beatles e dei Rolling Stones. La musica faceva parte della mia vita familiare e, allo stesso tempo, era una porta d’accesso a un mondo molto più vasto.

Da adolescente suonavo la chitarra e avevamo persino una band punk. Abbiamo scritto diverse canzoni, alcune con testi miei. Più tardi, quando ho scelto la pittura come professione, ho messo da parte la musica perché credevo che senza una formazione musicale formale non avrei potuto dedicarmi seriamente ad essa. Col tempo, ho capito che questa idea mi aveva limitata.
Cantare come primo soprano con i Litwins è stato un modo significativo per tornare alla musica attraverso il folklore. Un canto antico può toccare qualcosa dentro di noi che è più antico della nostra comprensione cosciente. Attraverso la mia voce, ho sentito una connessione con quello stesso mondo archetipico che esploro nelle mie opere visive, ma in modo molto immediato e viscerale.

Un ricordo particolarmente vivido per me è l’esibizione con l’Ensemble durante la residenza in Cina, a cui sono poi tornata come artista solista. In quella prima visita, abbiamo rappresentato insieme la Bielorussia attraverso la musica. Tornare con la mia pratica artistica mi ha permesso di vedere come queste parti della mia vita rimangano connesse. Il mio progetto recente, Crying, nasce da uno spazio musicale più personale, ma continua a nutrire quel bisogno di dare forma alle emozioni attraverso la voce.

In un mondo sempre più polarizzato e tecnologico, pensi che arriverà il giorno in cui l’intelligenza artificiale potrà sostituire la creatività umana?

Credo che l’intelligenza artificiale possa diventare un potente strumento per creare immagini ed esplorare possibilità. Ma quando penso alla creatività, penso anche all’esperienza che spinge una persona a creare.

Per me, un’opera nasce da qualcosa di vissuto: un’emozione che non riesco a scrollarmi di dosso, una paura che voglio affrontare, o un’immagine che continua a ripresentarsi senza una spiegazione. Fare arte è un modo per rimanere in contatto con quell’esperienza finché non trova una forma. Il risultato è importante, ma lo è anche il processo interiore che gli ha dato origine. Nella mia conferenza, descrivo l’arte come una sorta di meditazione incentrata su un intenso stato emotivo. Un’opera d’arte può preservare qualcosa di quello stato. Per questo trovo difficile immaginare che la creatività umana possa essere completamente sostituita. Il nostro rapporto con l’arte implica la consapevolezza che un’altra persona ha cercato di esprimere qualcosa della propria vita e che in essa possiamo riconoscere una parte di noi stessi.

La tecnologia continuerà a trasformare il nostro modo di lavorare e ciò che consideriamo possibile. Sono aperta a esplorare nuovi strumenti, così come sono aperta ai nuovi media. Ma vorrei che il loro utilizzo rimanesse legato a una questione artistica. Per me, la domanda importante è cosa cerchiamo di comprendere attraverso l’opera e perché sentiamo il bisogno di portarla nel mondo.

Grazie, cara Alesia, per il tuo tempo, il tuo spazio e la tua attenzione. È stato un vero piacere conoscere meglio la tua poliedrica carriera artistica.

Da questa piattaforma, ti auguriamo grande successo in ciascuno dei tuoi progetti. Possa la tua passione per l’arte continuare a crescere ogni giorno e possano le tue opere continuare a trovare posto in collezioni private e pubbliche. È un onore condividere le tue meravigliose opere artistiche.

Nota: questa intervista è stata tradotta dall’inglese allo spagnolo utilizzando l’intelligenza artificiale Perplexity.

Carlos Javier è uno scrittore nicaraguense che vive in Costa Rica.

Contatti: carlosjavierjarquin2690@yahoo.es

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Alesia Issa, artista bielorrusa, hace visible lo invisible
Por Carlos Javier Jarquín

Queridos amigos planetarios:
Les presento a la artista multidisciplinaria bielorrusa Alesia Issa, nacida en Minsk el 23 de enero de 1993 y residente actualmente en China. Su pasión por el arte es diversa e infinita y, a lo largo de su vida, ha sabido darle color a su existencia, que no es más que una expresión artística digna de admiración.

Tuvo el privilegio de crecer en un hogar donde el arte formaba parte de su cotidianidad. Desde sus primeros años surgieron sus inquietudes artísticas, iniciadas con el dibujo. La música corre en sus venas y forma parte de su vida artística: en su adolescencia fue primera soprano del Conjunto Folclórico Litwins. Entre la música y la pintura, eligió estudiar pintura en la Academia Estatal de Artes de Bielorrusia, donde obtuvo en 2018 el título de Licenciada en Artes, con especialización en Pintura y Docencia de la Pintura. En 2019 obtuvo una maestría en Teoría del Arte, enfocada en las bellas artes, las artes decorativas y la arquitectura. Obras de su autoría se encuentran actualmente en colecciones privadas y públicas de Bielorrusia, Reino Unido, Singapur, Rusia, España, Suiza y Ecuador.
En su biografía se lee: “Su arte abarca la pintura, la gráfica, la cerámica, la fotografía, el video, la performance y el tatuaje. Inspirada por los mitos, el folclore y las imágenes arquetípicas, explora la belleza espiritual de las personas, la naturaleza y el mundo cotidiano. Su obra une lo sagrado con lo cotidiano y se adentra en narrativas del subconsciente para crear un universo visual rico y etéreo. En 2024 y 2025 curó y participó en exposiciones internacionales que promueven el diálogo entre artistas de distintas culturas. Su trabajo aborda la identidad, la herencia cultural, la memoria y el vínculo sagrado entre el ser humano y la naturaleza. Ha participado en exposiciones colectivas y personales en Bielorrusia y el Reino Unido, entre ellas Living and Dreaming, presentada en Londres en 2018. Ese mismo año recibió una residencia de la Eurasian Creative Guild en Hemel Hempstead, Inglaterra, experiencia que abrió nuevas oportunidades y conexiones en su trayectoria artística”.
Alesia es una artista polifacética y también trilingüe, ya que habla bielorruso, ruso e inglés. En esta charla conoceremos más de su universo artístico. Aprovecho para invitarlos a conocer la obra de esta gran artista bielorrusa que, a su corta edad, ha logrado un éxito notable.

¿A qué edad despertó en ti el amor por las artes visuales?

Mi amor por el arte visual comenzó cuando tenía tres años. Nací en una familia creativa, y el dibujo, la música y la poesía convivieron a mi lado durante toda mi infancia. Crear imágenes se convirtió en una parte natural de mi manera de mirar el mundo y de intentar dar forma a lo que imaginaba.
Desde niña también me fascinaban la mitología, el folclore, el simbolismo religioso y lo desconocido. Esas historias me ofrecían imágenes de cosas que podía sentir, pero no ver. Creo que ese deseo de hacer visible lo invisible sigue estando en el centro de mi obra.
Aproximadamente a los quince años, cuando tuve que elegir una profesión, elegí la pintura. Más tarde recibí una formación académica en pintura y completé una maestría en Teoría del Arte. Sin embargo, no creo que la educación, por sí sola, me haya convertido en artista. Me dio una base y herramientas para algo que había comenzado mucho antes.

¿Qué te ha inspirado a desarrollarte como artista interdisciplinaria, abarcando la pintura, la gráfica, el diseño gráfico, la cerámica, la fotografía, el video, la performance, la ilustración de libros, el tatuaje y también la música?

Para mí, trabajar entre distintas disciplinas surgió de manera natural. Nunca he percibido la pintura, la música, la poesía o el cine como mundos completamente separados. Son diferentes maneras de aproximarme a una imagen o a una experiencia que quiero comprender.
La pintura sigue siendo una base esencial de mi práctica, pero no puede expresar todo de la manera en que yo lo necesito. Una película permite que una imagen se despliegue en el tiempo. La música puede transportar una emoción a través de la voz y del sonido. Un mural transforma la relación entre una imagen, la arquitectura y las personas que habitan un espacio. Después de mudarme a China, comencé a trabajar con la cerámica y descubrí lo que ocurre cuando una imagen adquiere peso, volumen y textura.
Mi trabajo se fue expandiendo gradualmente a través de la ilustración, los murales, la docencia, el video y otras formas de expresión. La música regresó a mi vida después de haberla dejado de lado para concentrarme en la pintura. Cada una de estas experiencias abrió una posibilidad que otro medio no podía ofrecer de la misma manera.
Existen fundamentos compartidos, como el ritmo, la composición, la tensión y la pausa, pero cada medio nos permite vivirlos de forma distinta. A menudo siento que es la propia imagen la que elige lo que quiere convertirse. Mi tarea consiste en reconocer si necesita ser una pintura, una canción, una película o un objeto, y luego encontrar el lenguaje que le permita existir.

¿Cuáles son los temas principales que están más presentes en tu obra artística?

Regreso una y otra vez al subconsciente, a la mitología y a esos momentos en que una persona atraviesa una transformación interior. El amor, la muerte, el miedo y la elección aparecen en mi obra a través de figuras y relatos que han acompañado a la humanidad durante siglos.
Utilizo la palabra arquetipo con bastante libertad. No se limita a una definición estrictamente junguiana. Para mí, un arquetipo es una imagen que conecta una experiencia individual con algo colectivo, algo que puede resultar extrañamente familiar incluso cuando lo encontramos por primera vez. El folclore bielorruso me es especialmente cercano, pero también exploro la filosofía y las imágenes de la India, la mitología china y japonesa, y el simbolismo religioso de distintas tradiciones.
Una figura a la que suelo regresar es La Loba, la mujer que reúne huesos y les devuelve la vida. Veo en ella la posibilidad de recuperar algo esencial dentro de nosotras mismas. Adán, Eva, Lilith y las Tres Parcas también reaparecen en mi obra, porque sus historias siguen planteando preguntas sobre nuestras propias vidas.
Me atrae especialmente el instante justo antes de que algo cambie. En mi pintura Eclipse, Adán mira la manzana mientras un sol negro ya se ha alzado sobre él. Me interesa esa vacilación: ¿todavía tiene una elección, o algo ya se ha transformado dentro de él?

A través de imágenes como esta, intento aproximarme a experiencias difíciles de explicar de manera directa. Una obra puede conservar una memoria emocional y permitir que otra persona la encuentre a su manera.

¿Qué representa para ti que muchas de tus pinturas formen parte de colecciones públicas y privadas de distintos países, entre ellos Bielorrusia, Reino Unido, Singapur, Rusia, España, Suiza y Ecuador?

Significa mucho para mí que una obra pueda salir de mi estudio y convertirse en parte de la vida de otra persona, a veces en un lugar que nunca he visitado. La pintura es un proceso muy íntimo. Paso tiempo con una imagen, con las preguntas y los sentimientos que le dieron origen, y luego esta comienza una existencia más allá de mí.
Cuando alguien decide vivir con una obra o incluirla en una colección, siento gratitud por esa confianza. Puede que vea algo muy distinto de lo que yo vi al crearla, y eso me parece valioso. No necesito que el espectador repita mi interpretación. Me interesa lo que sucede entre la imagen y su propia experiencia.
El hecho de que mis obras encuentren hogar en distintos países también se relaciona con la idea que está detrás de mi conferencia, Arquetipos en tránsito. Las imágenes viajan entre culturas y personas, adquiriendo nuevos significados en el camino. Mi obra lleva algo del lugar del que vengo, pero también puede hablarle a alguien cuya vida es muy diferente de la mía. Esa posibilidad tiene un profundo significado para mí.

¿De qué manera ha evolucionado tu trabajo artístico en los últimos cinco años?

En los últimos cinco años, me he vuelto más abierta a seguir una idea más allá del medio en el que apareció por primera vez. La pintura sigue siendo central en mi práctica, pero comprendo cada vez más mi trabajo como una conversación entre diferentes lenguajes artísticos.
Mi formación académica me dio una relación sólida con la composición y la forma. Con el tiempo, me he vuelto más atenta a la experiencia interior que hay detrás de una imagen: por qué regresa, qué la vuelve inquietante y qué me pide. Las figuras mitológicas se han convertido en una manera de explorar esas preguntas desde mi propia experiencia.
Trabajar con el cine me ayudó a pensar el arte como algo que puede sucederle a quien lo contempla. En mi cortometraje Shukra, creado para un festival interdisciplinario, exploré la transformación a través de la relación de una mujer con una deidad. El festival fue concebido como un laberinto, y me interesaba cómo atravesar el arte podía modificar el estado de conciencia de una persona.
Mi mudanza a China incorporó la cerámica a mi práctica. Seguí explorando seres mitológicos, incluidas figuras del folclore bielorruso, pero ahora a través de objetos físicos. Más recientemente, mi proyecto musical en solitario y el video Crying dieron forma a una experiencia profundamente personal del amor. Estos desarrollos me han ayudado a comprender que mi práctica puede mantenerse coherente incluso cuando cambian sus materiales. Lo que une las obras es la pregunta que da origen a cada imagen.

Háblanos de tu pasión por la música. ¿Qué significó para ti haber sido primera soprano del Conjunto Folclórico Litwins?

La música ha estado conmigo desde la infancia. Mi tío fundó y dirige el Conjunto Folclórico Litwins, que desde finales de los años ochenta se dedica a reconstruir música tradicional. Crecí rodeada de ensayos, conciertos, talleres y giras. En casa también escuchábamos discos de vinilo, incluidos los de The Beatles y The Rolling Stones. La música formaba parte de mi vida familiar y, al mismo tiempo, era una puerta hacia un mundo mucho más amplio.
De adolescente tocaba la guitarra e incluso tuvimos una banda punk. Escribimos varias canciones, algunas con letras mías. Más tarde, cuando elegí la pintura como profesión, dejé la música de lado porque creía que, sin una formación musical profesional, no podía dedicarme a ella en serio. Con el tiempo, comprendí que esa idea me había limitado.
Cantar como primera soprano con Litwins fue una manera significativa de regresar a la música a través del folclore. Una canción arcaica puede alcanzar algo en nosotros que es más antiguo que nuestra comprensión consciente. A través de la voz, sentí una conexión con ese mismo mundo arquetípico que exploro en mi trabajo visual, pero de una forma muy inmediata y corporal.
Un recuerdo especialmente cercano para mí es haberme presentado con el conjunto en la residencia de China a la que luego regresé como artista individual. En aquella primera visita, representamos a Bielorrusia juntos a través de la música. Volver con mi propia práctica artística me permitió ver cómo esas partes de mi vida permanecen conectadas. Mi proyecto reciente, Crying, nace de un espacio musical más personal, pero continúa esa necesidad de dar forma a la emoción a través de la voz.

En un mundo cada vez más polarizado y tecnológico, ¿consideras que llegará un día en que la inteligencia artificial pueda reemplazar la creatividad del ser humano?

Creo que la inteligencia artificial puede convertirse en una herramienta poderosa para crear imágenes y explorar posibilidades. Pero, cuando pienso en la creatividad, también pienso en la experiencia que hace que una persona necesite crear en primer lugar.
Para mí, una obra comienza con algo vivido: una emoción que no puedo apartar, un miedo del que quiero acercarme o una imagen que sigue regresando sin explicación. Hacer arte es una forma de permanecer con esa experiencia hasta que encuentra una forma. El resultado importa, pero también importa el proceso interior que le dio existencia.
En mi conferencia, describo el arte como una especie de meditación centrada en un estado emocional intenso. Una obra puede conservar algo de ese estado. Por eso me resulta difícil imaginar que la creatividad humana pueda ser reemplazada por completo. Nuestra relación con el arte implica saber que otra persona ha intentado expresar algo desde su propia vida y que nosotros podemos reconocer en ello una parte de nosotros mismos.
La tecnología seguirá transformando nuestra manera de trabajar y lo que consideramos posible. Estoy abierta a explorar nuevas herramientas, del mismo modo que estoy abierta a nuevos medios. Pero quisiera que su uso permaneciera vinculado a una pregunta artística. Para mí, la pregunta importante es qué intentamos comprender a través de la obra y por qué sentimos la necesidad de llevarla al mundo.

Gracias, querida Alesia, por tu tiempo, tu espacio y tu atención. Ha sido un verdadero placer conocer más sobre tu polifacética trayectoria artística.
Desde esta plataforma, te deseamos muchos éxitos en cada uno de tus proyectos. Que tu pasión por el arte siga creciendo cada día y que tus obras continúen llegando a colecciones privadas y públicas. Es un honor darle difusión a tu maravilloso trabajo artístico.